1 Ana Laura Aláez
http://www.analauraalaez.net/
La multidisciplinaria artista Ana Laura Aláez, nacida en Bilbao en
1964, es una de las artistas contemporáneas más completas y de mayor
renombre dentro de España principalmente, aunque sus mejores y más
reconocidos trabajos sean en su mayoría fotografías. Se define como una “
arquitecta de emociones“,
ya que las expresa de la manera que cree más conveniente,
transformando toda su vida en arte. Su sentir queda plasmado siempre en
una escultura, una fotografía o una instalación, donde se puede
comprender muy sencillamente lo que desea expresar. Quizás su aspecto
más positivo es que le gusta innovar e investigar nuevas facetas del
arte, encontrándose siempre en búsqueda de nuevos medios por los cuales
expresarse, que abarcan desde los mencionados anteriormente, hasta en
una nueva muda de ropa acorde a la ocasión.
Sus primeros trabajos escultóricos, otra de las ramas artísticas en
las cuales se destaca, fueron expuestos por vez primera en el Espai 13
de la Fundación Joan Miró de Barcelona en el año 1992. Asimismo, su
primera instalación fue en la Sala Montcada de Barcelona en 1997, cuando
presentó She Astronauts, convirtiendo toda la sala en una enorme
tienda de ropa. En 1999 presentó Brothel en la Galería Juana de
Aizpuru, instalación ésta que cobró una real magnitud internacional.
Entre otras salas, fue presentada en el Kunstmuseum de Bonn y en el
Museum Moderner Kunst Stiftung Ludwing de Viena en 1999. Otras ciudades
prestigiosas donde se ha presentado fueron San Sebastián, Pusan (
Corea del Sur)
y Barcelona. Se ha destacado en otras ciudades como Tokio, Madrid,
Berlín, París, Milán y Londres. En el año 2003 publicó su libro Flúor,
donde presenta diversas fotografías de diferente carácter acompañadas
por textos suyos, donde se desarrollan sus mayores inquietudes
estéticas.
Fuente: Arte Spain
Obras:
Ana Laura Alaéz.
Metal Lipsticks. 1999
Ana Laura Alaéz.
Ceja. 1993
Ana Laura Alaéz.
Lámpara de uñas. 1999
Ana Laura Alaéz.
Ray. 2004
Ana Laura Alaéz.
Glossy City. 1999
Ver reportaje Ana Laura Aláez. Metrópolis
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2 David LaChapelle
http://www.lachapellestudio.com/
David Lachapelle nace en Fairfield, Connecticut, el 11 de marzo de
1969. Su primer acercamiento a la fotografía fue cuando tenía 6 años de
edad durante unas vacaciones familiares Puerto Rico. Allí utilizó la
cámara para retratar a su madre, Helga LaChapelle. Desde ese momento,
quedó obsesionado con la fotografía. A los 15 años se muda a Nueva York.
Mintió sobre su edad y consiguió trabajo en la discoteca Studio 54,
donde limpiaba las mesas de grandes celebridades y artistas, como Liza
Minelli. Más tarde, su padre lo tomaría y lo llevaría de regreso al sur,
donde lo obligó a estudiar en la Escuela de Artes de Carolina del
Norte.
LaChapelle estudió Bellas Artes en la Escuela de Artes de Carolina
del Norte antes de mudarse a Nueva York. Tras su llegada, ingresó a la
Liga de Estudiantes de Arte y a la Escuela de Artes Visuales. Andy
Warhol le ofreció su primer trabajo, como fotógrafo de la revista
Interview. Polifacético artista, se lo considera “discípulo de Warhol”,
de quien conoció una forma de expresar a través de la fotografía, con
un tono sarcástico, una crítica mordaz de los caracteres más satíricos
de la cultura popular.
En la actualidad, las revistas más importantes tienen la huella de
LaChapelle: Italian Vogue, Rolling Stone, i-D, Vibe, Interview, The
Face, British GQ y Vanity Fair. Además, es conocido por el creativo uso
de los colores en sus imágenes y por retratar personajes famosos:
Madonna, Elton John, Angelina Jolie, Tom Jones, Whitney Houston,
Elizabeth Hurley, Milla Jovovich, Alicia Keys, Heidi Klum, Daniel Day
Lewis, Jennifer Lopez, Courtney Love, Tobey Maguire y Marilyn Manson,
entre otros. También ha fotografiado numerosas portadas de discos para
artistas como Macy Gray, Moby, No Doubt o Cristina Aguilera, y realizó
videoclips de Avril Lavigne, Joss Stone, Norah Jones y Robbie Williams.
Además, participó en campañas publicitarias para una variedad de
clientes que incluye a L’Oreal, Iceberg, MTV, Ecko, Diesel Jeans,
Sirius, Ford, Sky Vodka y la campaña Got Milk.
Fuente: Webjam
Obras:
David LaChapelle. Jonh Waters.
David LaChapelle. Jeff Koons sandwich. 2001
David LaChapelle. Gwen Stefani.
David LaChapelle. Marilyn Manson.
David LaChapelle. Jesus.
Enlace fragmento documental LaChapelle
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3 Guido Mocafico
http://www.guidomocafico.com/
Guido Mocafico es un fotógrafo de ascendencia italiana, que
nació en Suiza en 1962 y actualmente vive en París, y que se ha
especializado en fotografiar naturaleza muerta. Actualmente trabaja para
revistas internacionales, como Vogue, y también ha realizado numerosas
campañas publicitarias para marcas de ropa cara. Entre 2002 y 2003
hizo una serie de fotografías llamadas 'Serpents',
donde experimentaba con el color, la belleza y la majestuosidad de un
montón de especies distintas de ofidios, quedando un resultado
verdaderamente espectacular, que ha aparecido en un montón de medios
desde entonces. En los últimos cuatro años, Mocafico ha estado
trabajando en un proyecto personal relacionados con la arquitectura, y
continúa explorando temas de estética y científica en la naturaleza.
Fuente: dsgnr
Obras:
Guido Mocafico. Dendroaspis viridis. 2003
Guido Mocafico.
Naja pallida. 2002
Guido Mocafico. Bothriechis schlegeli. 2003
Guido Mocafico. Nature Morte à la Grenade.2005.
Guido Mocafico. Nature morte aux courges. 2008.
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4 Jeff Koons
http://www.jeffkoons.com/
(Jeffrey Koons; York, Pennsylvania, 1955) Artista
estadounidense, uno de los autores vivos más cotizados y también más
polémicos. Con los años sus creaciones, inicialmente kitsch, han derivado hacia el monumentalismo, como en el caso de Puppy, el perro gigante que preside la entrada del Museo Guggenheim Bilbao.
Jeff Koons se formó en la School of the Art Institute of Chicago
(SAIC) y se licenció en bellas artes por el Maryland Institute College
of Art (MICA) de Baltimore en 1976. Ese mismo año se trasladó a Nueva
York, donde sufragó la producción de sus primeras creaciones como
corredor de bolsa en Wall Street. La habilidad de Koons en las
transacciones bursátiles y comerciales se trasladaría también al mundo
del arte, ya que desempeñó funciones de captador de socios para el Museo
de Arte Moderno (MoMA) de Nueva York, con gran acierto. Esa
experiencia iba a resultar decisiva en su posterior carrera artística,
marcada por una clara visión mercantilista.
Su obra se iniciaría en 1979 con la serie “Inflatables”, objetos de
vinilo (en su mayoría flores) colocados entre espejos, que mostraban ya
la intención del autor de combinar el objeto representado con el
entorno y los reflejos que del mismo aparecían en él. El gusto por lo
kitsch
y la utilización de objetos y motivos cotidianos en sus piezas
convertirían a Koons en un trasgresor para algunos y en un impostor para
otros: una figura polémica que despertaría a lo largo de su carrera
odios y pasiones, pero que no dejaría a nadie indiferente.
A principios de la década de 1980, Koons realizaría las series
“Prenew” y “The New”, en las que convivían cafeteras, aspiradoras,
radiadores y demás utensilios presentes en la mayoría de los hogares. En
“The New”, las aspiradoras, solas o en grupo, se combinaban de todas
las maneras posibles en unas vitrinas de plexiglás con tubos
fluorescentes. En 1984 presentó algunas de sus obras en la galería
neoyorquina International with Monuments; los expertos lo adscribieron
entonces al movimiento Neo-Geo (Neo-Geometric Conceptualism), que
incluiría a figuras dispares como Haim Steinbach y Meyer Vaism.
Su fama crecía a la par que su producción se diversificaba, tanto en
los temas tratados como en las técnicas y los materiales utilizados. En
su serie “Equilibrium”, realizaba esculturas en bronce de objetos
deportivos como pelotas de baloncesto, que se convertían también en
motivo escultórico (tomando el relevo de las aspiradoras) en creaciones
que simulaban peceras, pues los balones aparecían dentro de urnas de
cristal medio llenas de agua. Paralelamente inició su estrecha relación
con el mundo de la publicidad y el marketing con una serie de anuncios
relacionados también con el mundo del baloncesto, protagonizados por
famosos jugadores pero también por aficionados anónimos.
La vertiente comercial continuó con la serie “Luxury &
Degradation”, en la que ponía su creatividad al servicio de anuncios de
conocidas marcas de bebidas alcohólicas, para una de las cuales realizó
una serie de pequeñas esculturas en acero inoxidable. Este material
predominaría también en su siguiente serie, “Statuary”, en la que
combinaba motivos clásicos (
Busto del rey Luis XIV) con diseños modernos, como su famoso
Conejo. “Banality” supondría a finales de la década una radicalización del gusto por lo
kitsch,
que llegaría a sus más altas cotas en esta serie. Porcelana, cristal,
madera policromada y otros materiales le servían para representar todo
tipo de objetos y motivos. A esta serie corresponde la representación
en porcelana del cantante Michael Jackson con su mono mascota,
Michael Jackson and Bubbles (1988).
A finales de la década de 1980, Koons inició una relación amorosa con
la actriz porno italiana Illona Staler, Cicciolina, que presidiría su
siguiente serie, “Made in Heaven”: esculturas de cristal, figuras de
plástico, óleos, litografías y fotografías representan a los dos amantes
en todo tipo de posturas amorosas, sin evitar un evidente carácter
pornográfico. Koons y Cicciolina se casaron en 1991, y en 1992 nació su
hijo Ludwig, pero la unión se rompió poco después, ocasionando un
litigio legal por la custodia del pequeño en los años siguientes. Tras
la separación, los motivos de la serie se sustituyeron por perros, gatos
y flores, con una potenciación del mal gusto o de lo cursi y recargado
según las interpretaciones.
La relación con Cicciolina y el escándalo de su ruptura afectaron al
prestigio artístico de Koons, que en los años noventa vivió su peor
época, si bien una de sus obras más conocidas data de 1992.
Puppy,
una representación de un perro gigante de más de doce metros de alto
cubierto de flores, fue creado para una muestra de arte en Arolsen
(Alemania) y se pudo ver también en Sydney y Nueva York, antes de
trasladarse al Museo Guggenheim Bilbao, donde preside la entrada de
forma permanente.
A partir de
Puppy, la obra de Koons mostraría cada vez más
una tendencia hacia el monumentalismo. “Celebration” se iniciaba con
óleos sobre lienzo que representaban animales y objetos varios sobre
unos fondos que parecían metalizados, una idea que daría paso, en la
misma serie, a las primeras esculturas gigantes de acero inoxidable,
como
Balloon Dog,
Hanging Heart o
Balloon Flower,
concebidas como objetos-globo en cuya superficie metálica se
reflejaban las imágenes. “Elephant”, un elefante de acero inoxidable, y
“Split Rocker”, otro perro floreado al estilo de
Puppy e
instalado en el Palacio de los Papas de Aviñón (Francia) desde 2000,
fueron series continuistas en lo referente al gusto por las grandes
dimensiones de las obras.
El cambio de siglo marcaría la recuperación del caché de Koons, que
en sus siguientes series, “Easyfun”, “Easyfun-Ethernal”, “Popeye” y
“Hulk Elvis”, combinaba pintura, escultura y elementos cotidianos como
flotadores y animales hinchables infantiles. Las obras despertarían el
recelo de muchos aficionados, pero se vendían a precios cada vez más
altos.
Jeff Koons es tan conocido por sus polémicas obras como por su gran
habilidad para darlas a conocer y conseguir que se revaloricen
continuamente. No dudó en ser uno de los primeros artistas en contratar a
un asesor de imagen y en iniciar campañas de marketing, que incluían
anuncios con una fotografía suya a toda página en las principales
revistas de arte. La comercialidad de su arte se basa en un amplio
equipo de colaboradores, cerca de una treintena de personas
(investigadores, ingenieros, arquitectos, gestores o mánagers) con las
que lleva a cabo una producción industrial del arte en la que no
necesariamente el artista es el autor material de la obra que va a
llevar su nombre. Este sentido colectivo en la creación artística
recoge, de alguna manera, la tradición del célebre estudio de Andy
Warhol, conocido como The Factory.
En noviembre de 2007, toda esta estrategia culminó al convertir a Koons en el artista vivo más caro:
Hanging Heart,
una obra por la que siete años antes se habían pagado 700.000 euros,
se vendió por 15 millones de euros. El pintor británico Lucian Freud
rompería ese récord en mayo de 2008 con los 21,7 millones de euros
pagados por su obra
Benefits Supervisor Sleeping. Un mes más tarde,
Balloon Flower (Magenta), de Koons, alcanzó los 16,3 millones de euros, cifra récord en el artista.
Koons es doctor
honoris causa por el Corcoran College of Art
& Design de Washington, D. C. Sus obras han sido exhibidas en
museos de todo el mundo, y forman parte de colecciones públicas como las
del Museum of Modern Art (MoMA) de Nueva York, el Whitney Museum of
American Art y el Guggenheim Museum, también en Nueva York, la National
Gallery y el Hirshhorn Museum de Washington, el San Francisco Museum of
Modern Art (SFMoMA), la Tate Gallery de Londres, el Stedelijk Museum
de Amsterdam o el Tokyo Metropolitan Museum.
En septiembre de 2008 se inauguró en los jardines del palacio de
Versalles la primera retrospectiva dedicada al artista en Europa. A su
escalada a la cima del mercado y su “toma” de Versalles hay que sumar
las muestras que tuvieron lugar paralelamente en la terraza del
Metropolitan neoyorquino (un perro salchicha, un corazón y un Winnie The
Pooh), en el Museo de Arte Contemporáneo de Chicago y en la Neue
Nationalgalerie de Berlín.
Fuente: Biografías y vidas
Obras:
Jeff Koons.
Bracelet. 1995-98
Jeff Koons.
Cake. 1995-97
Jeff Koons.
Self-portrait. 1991
Jeff Koons.
Pink Bow. 1995-97
Jeff Koons.
Christ and the Lamb. 1988
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5 Katharina Fritsch
http://www.matthewmarks.com/
Un elefante de color verde, una enorme rata de color negro, una
Virgen amarilla, un hombre primitivo de color blanco, un esqueleto
vestido con un traje blanco… Esos son algunos de los personajes que
pueblan las instalaciones de una artista a la que se incluye dentro de
la corriente minimalista, sin dejar de lado la parte conceptual que
tiene su obra.
Unas instalaciones ante las que tenemos la sensación de estar viendo
algo que somos capaces de reconocer (algunas de sus figuras me
recuerdan a aquellos soldados o indios y vaqueros de plástico con los
que jugaba en mi infancia), pero que están trastocados de tal manera
que nos damos cuenta de una forma meridianamente clara, de que el
mensaje que se nos quiere hacer llegar no es tan real como pudiera
parecer.
Eso también le da a algunas de sus obras un sutil sentido del humor,
mientras que en otros casos nos llama la atención la inmovilidad, la
falta de vida que nos transmiten obras como la que incluye a 32 personas
exactamente iguales sentados en una mesa mientras esperan que les
pongan algo de comer. Como si un espejo nos estuviera devolviendo la
misma imagen repetida 32 veces, en un conjunto inquietante por la
inmovilidad y el recogimiento que muestran esas figuras que parecen una
aparición. Figuras todas las que reproduce Fritsch, una escultora
formada en Düsseldorf y que es una de las escultoras fundamentales para
entender los últimos 20 años de escultura en Europa, de gran realismo,
reproducidas a gran escala, incluso monumental, y monocromáticas. Así,
mientras reconocemos esas figuras, por otro lado nos las ofrece con una
apariencia que no es a la que estamos acostumbrados. Los motivos que
utiliza los encuentra en la literaratura, las mitologías, la religión
cristiana, el folclore, la histora.
Araceli Rico, dice en su artículo referido a Fritsch y titulado
Entre el arte minimalista y la cultura pop, que “
un
rasgo distintivo en las producciones de Fritsch es la crítica que hace
al mundo de la reproducción masiva y comercial de los objetos, entre
ellos el mercado de las imágenes de culto”, en una suerte de
crítica a esta era de la reproducción en serie y en la que el
mercantilismo ha invadido todos los espacios posibles. El erotismo es
otro de los terrenos en los que se adentra la escultora alemana, y un
ejemplo de ello es
Mujer con perro (2004), una obra de la que Rico dice que “
es una muestra de la gran libertad e ironía de su creadora”. Se trata de una mujer, cuya figura está representada a través de conchas de mar pintadas en color rosa “
que forman su rostro, su vestido, su sombrero de ala, e incluso el perrillo que la acompaña”, escribe Azucena Rico en el artículo ya citado, para añadir a continuación que “
la
concha de mar remite al tema de la vagina dentada, una imagen de
extrema violencia referente al poder sexual de la mujer, de la cual se
habla ampliamente en la poesía y la pintura surrealista”.
En definitiva, nos encontramos ante una artista que nos deja un “
perfecto balance entre lo que ofrece y lo que insinúa, dejándonos a nosotros la tarea de adivinación”, como escribe Morgan Falconer.
Fuente: La vida no imita al arte
Obras:
Katharina Fritsch
. Oktopus, 2010
Katharina Fritsch.
Display Stand with Madonnas. 1987-89
Katharina Fritsch.
Snake. 2008
Katharina Fritsch.
Apple. 2009-10
Katharina Fritsch.
Kind mit Pudeln (Baby with Poodles). 1995-96
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6 Takashi Murakami
http://www.takashimurakami.net/
Tokio, Japon, 1963
Desde que Takashi Murakami irrumpió en la escena del arte
contemporáneo, su obra ha cuestionado todo lo que hasta ahora se ha
considerado sagrado y sacrosanto dentro del mundo del Arte. Nada tiene
que ver aquel Murakami que realizaba pequeñas exposiciones en su Japon
natal en 1995 con el que hoy ha llegado a un punto en que su nombre se
encuentra escrito al mismo nivel que el de Warhol, Pollock o De Kooning,
y que ya resuena como uno de los artistas llamados a ocupar los
lugares mas altos en el arte del siglo XXI.
La obra de Takashi pronto asumió la influencia de Andy Warhol,
teniendo como principal similitud el hecho de estar la obra de ambos
arraigada en el campo de la cultura de consumo. Murakami pinta en el
estilo que el mismo denomina “superflat”, un metodo en el que todo esta
retratado en solo dos dimensiones. Ésta técnica hunde sus raíces en la
moda y la alta costura, así como en técnicas tradicionales japonesas
que pusieron en practica los pintores sobre paneles y pantallas del
siglo XVI.
Fuente: Picasso mio
Obras:
Takashi Murakami.
Flor de Loto. 2008
Takashi Murakami.
La Marcha de DOB. 1995
Takashi Murakami.
ZuZaZaZaZaZa, 1994
Takashi Murakami.
El mundo de la esfera. 2003
Takashi Murakami.
Leche. 1998.
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7 Riiko Sakkinen
http://www.riikosakkinen.com/
Riiko Sakkinen (Helsinki, 2 de julio de 1976) es
un artista finlandés que explora la cultura de consumo y reside y
trabaja en Cervera de los Montes, Toledo. Su obra se compone
principalmente de dibujos de tamaño Din A4, en papel de baja calidad,
expuestos en instalaciones de paredes coloreadas nos representan el
mundo que Sakkinen ve y que según el artista muchos no quieren ver.
También realiza pinturas, muchas de ellas en co-realización con otros
artistas, con iconos que adquiere de representaciones gráficas efímeras
de la cultura de consumo, provenientes de la publicidad y la
televisión, objetos, actuaciones, intervenciones, textos, listas en las
que nos muestra las más ridículas obsesiones del mundo e incluso
conceptos.
Su obra está incluida en colecciones permanentes en el MoMA de Nueva
York y en los museos de arte Amos Anderson y Kiasma, ambos en Helsinki.
Fuente: Wikipedia
Obras:
Riiko Sakkinen. Secretos de Cocina (Pastelazos). 2010
Riiko Sakkinen. Black bean sugar flavor. 2011
Riiko Sakkinen. Japanese Lower Middle Class Housewife. 2007
Riiko Sakkinen. I want to vomit in. 2010
Riiko Sakkinen. Poison the Enemy's Petit Suisse. 2006
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8 Sylvie Fleury
http://www.sylviefleury.com/
Nacida en 1961 en Ginebra, donde vive y trabaja, Sylvie
Fleury surgió en los años noventa como una figura clave de la escena
artística. Destacando en sus exposiciones desde el principios, con la
instalación "bolsa de la compra" sentó las bases
para un cuerpo de trabajo que se basaría en los elementos del arte del
siglo XX y de la sociedad de consumo. Con la explotación de las
paradojas y de la ambigüedad de aparente futilidad, Fleury desarrollará,
una serie obras, que están abiertas a diferentes lecturas, prendas de
vestir y accesorios de lujo, el mundo de la Fórmula 1, renovando iconos
del arte moderno y contemporáneo (de Piet Mondrian a Andy Warhol o
John McCracken), portadas de revistas y objetos de gran magnitud,
desarrolla un lenguaje formal que es más complejo y desconcertante de
lo que uno podría pensar. La confusión subversiva de los
códigos, la contaminación recurrente en los géneros establecidos (el
mundo masculino por lo femenino, la moda por el arte o la publicidad, a
menos que sea al revés) van mucho más allá del ámbito exclusivo de
arte. Más ofensiva y política que su aparente atractivo podría llevar a
pensar, el trabajo de Sylvie Fleury refleja y anticipa su época al
igual que participa en ella. Fleury es, un actor por derecho propio en
lo que se refiere a su trabajo. Mientras asegura haber leído a Marx y
Engels en la adolescencia, y aunque su carrera no convencional la llevó
a Nueva York en los años ochenta, donde aprendió fotografía,
desarrolló su interés por el cine y la experiencia de la vida nocturna,
se convertiría en figura clave de la escena artística underground en Ginebra en los últimos años ochenta. Pero sobre todo va a "confrontar" sus reflexiones con las de John Armleder y Olivier Mosset,
quienes tuvieron una influencia clave en su trabajo. Probablemente es
debido a este diálogo enriquecedor el trabajo de Sylvie Fleury tiene
más en común con el pensamiento post-conceptual que con un entorno que uno podría a primera vista se alinean con el legado del pop art.
Para su primera exposición individual en la Galería Almine Rech de
Bruselas (también con sede en París), Sylvie Fleury ha optado por crear
una especie de "retrospectiva", con obras que abarcan el período
comprendido entre mediados de los noventa hasta la actualidad. Las
veinte piezas que ha seleccionado, incluyendo las obras creadas
especialmente para la exposición, todas ellas doradas. Al igual que la
gran retrospectiva dedicada a su trabajo en MAMCO en Ginebra en 2009,
esta exposición pone de relieve la riqueza y diversidad de las
declaraciones del artista. También destaca la singularidad de una
reflexión que afecta tanto en el campo del arte como a la sociedad
contemporánea.
Fuente: Art Corporation
Obras:
Sylvie Fleury. Prada Shoes. 1998
Sylvie Fleury.
Pink Popcorn. 2008
Sylvie Fleury.
Chromo Quartz, 2001
Sylvie Fleury.
Mushroom, 2008
Sylvie Fleury. Exhibition view at Almine Rech, Brussels, 2010.
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9 Terry Richardson
http://www.terrysdiary.com/
Transgresor, sucio, radical, violento, unos le adoran como genio
mientras que otros le odian, pero sin dejar indiferente a nadie. A
grandes rasgos es como puedo resumir a Terry Richardson. Nacido en Nueva
York en 1965 y criado en Hollywood. Tocó el bajo durante cinco años en
un grupo Punk, al separarse este, su madre le presentó al fotógrafo
Tony Kent, el cual le contrató como ayudante, y así fue como este
hombre comenzó su carrera fotográfica y hasta aquí su biografía
“oficial” y la que he podido encontrar de él.
He leido en algún sitio que otro, cosas como que ejerció de chapero
ocasional, que mantenía todo tipo de relacciones sexuales y que el rumbo
de su vida iba siempre dirigido hacía una total autodestrucción, no
puedo asegurar que esto sea cierto, pero si puedo decir que sus
fotografías muestran el mundo de esa manera. Armado con una cámara
compacta
Yashica T4, que usa justificando que no puede usar una
reflex debido a su miopía, la pared del salón de su casa y una sola
fuente de luz frontal y sin difuminar obtiene las que son posiblemente
las fotos mas feas que he visto técnicamente hablando, pero quizás unas
de las mas fuertes conceptualmente, en lo que a contenido se refiere.
Todas sus fotos, rodeadas de una atmosfera de decadencia y sordidez
que atrapan a los ojos del espectador, llenando estos de una suerte de
sensaciones que desagradan a nuestro gusto mas superfluo y maravillan a
nuestro mas profundo subsconsciente. Imagene violentas cargadas con
trazos del erotismo mas vulgar y chabacano posible, mostrando lo que
para él es la cruda realidad del mundo en el que vive, de los seres
humanos de las relaciones entre estos, tratando temas “tabú” para la
mayoría de la sociedad puritana estadounidense. Por sus manos han pasado
grandes personalidades, desde actores de cine, músicos, politicos
hasta incluso el actual presidente electo de los EEU Barack Obama, del
cual dicen le une una amistad con el fotógrafo. Sus fotografias son
codiciadas por grandes “nombres”, marcas y revistas a las que les
imprime su sello personal, ese toque atrevido que a mas de uno,
incluyedome a mi, le parece ofensivo para el gusto del espectador en
algun que otro medio de publicación o publicidad.
Fuente: Fotux
Obras:
Terry Richardson.
Charlotte Free at my studio #11. 2011
Terry Richardson.
Me and Keiichi. 2011
Terry Richardson.
Me as Lady Gaga… Lady Gaga as Me #1. 2011
Terry Richardson.
MacKinley at my studio #1. 2011
Terry Richardson.
Me and Ashley Olsen at my after party at the Westway. 2011
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10 Tracey Emin
http://www.emininternational.com/
Tracey Emin (Inglaterra, 1963) es una artista británica reconocida dentro del grupo de los Young British Artists. Emin es tal vez la segunda en notoriedad tras el mediático Damien Hirst. My Bed
es su obra más conocida, desde que formó parte de la terna final del
premio Turner en 1999. La pieza consistía en su propia cama sin hacer,
rodeada de detritus domésticos: condones usados, ropa interior con
manchas de sangre... en un ambiente de dejadez general. Aunque no ganó,
dicha obra concitó enorme atención y abundantes crónicas en la prensa
internacional.
Emin nació en Londres, pero creció en Margate. Estudió arte en
Maidstone, luego regreso a londres donde estudió pintura en el Royal
College of Art. En sus inicios se reconoce la influencia de Edvard Munch
y Egon Schiele, Tracey Emin destruyó todos sus cuadros de la primera
etapa. Posteriormente a sus estudios en pintura, estudió Filosofía. Al
inicio de su carrera como artista, Emin abrió una tienda llamada The Shop
en Bethnal Green en sociedad com Sarah Lucas. Vendían obras de ambas,
incluyendo camisetas y ceniceros con la imagen de Damien Hirst.
En 1994 realizó su primer exposición individual en la galería
de arte White Cube, una de las más importantes galerías de Londres. Se
tituló Mi Mayor Retrospectiva, y fue
típicamente autobiográfica, consistía de fotografías personales y fotos
de sus hoy destruidas primeras pinturas junto a objetos que muchos
artistas no sacarían al público como paquetes de cigarrillos que llevaba
su tío cuando murió decapitado en un accidente de tráfico. Su
disposición por enseñar detalles de su vida privada es uno de los sellos
distintivos de su obra.
Emin se hizo artista reconocida cuando en 1997 el canal Channel
4 de televisión realizó una entrevista especial. Fue un show con un
debate serio e intenso, Emin estaba completamente ebria (en parte por
los tranquilizantes que había tomado para calmar el dolor de un dedo
roto), durante toda la entrevista no paró de decir que quería regresar a
su casa donde mamá. Dos años después en 1999 Emin formó parte de la
lista de artistas escogidos para el premio Turner (Turner Prize) y
expuso su cama My Bed (mi cama) en la galería Tate Gallery.
Una de sus más destacadas obras es Everyone I Have Ever Slept With 1963-95,
una tienda de campaña adornada con los nombres de todas las personas
con quienes alguna vez durmió, incluidos compañeros sexuales, familiares
con quienes transnochó en su infancia, su hermano mellizo y sus dos
embarazos perdidos. Alguna vez, sin temor, Emin dijo que esta exposición
se trataba menos de sus conquistas sexuales que de su intimidad en un
sentido general. La costura que utiliza Emin para esta pieza, con la
que escribe los nombres de todas las personas, aparece en algunas otras
de sus obras. Ésta, junto con muchas otras de Emin y de otros artistas
YBA como los hermanos Chapman, fue destruida en un incendio en Londres
el 26 de mayo de 2004.
Fuente: Wikipedia.
Obras:
Tracey Emin. My Bed. 1998
Tracey Emin. I do not expect to be a Mother. 2002
Tracey Emin. You Forgot to Kiss My Soul. 2001
Tracey Emin. Feeling Pregnant III. 2005
Tracey Emin. Everyone I have Ever Slept with... 1995
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